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Exposiciones | Guggenheim Bilbao Museoa

Conferencia inaugural: Sky Hopinka

Sky Hopinka

Audioguía

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el mito. Perteneciente a la nación Ho-Chunk de Wisconsin y descendiente de la Banda Pechanga, del pueblo de los luiseños del sur de California, Hopinka nació y creció en Ferndale, Washington (EE. UU.). El Pacífico noroccidental ocupa un lugar destacado en la obra artística de Hopinka, especialmente cuando profundiza en la investigación de conceptos como la patria, la identidad personal y el paisaje. Sus películas proponen una reflexión sobre las complejidades de la vida indígena contemporánea, al fusionar el cine no narrativo, la poesía y las imágenes abstractas con un enfoque etnopoético, una reacción contra la mirada etnográfica que durante mucho tiempo ha cosificado las culturas indígenas en el formato audiovisual.
El cine etnopoético analiza temas de identidad cultural, desplazamiento y experiencia cotidiana mediante una combinación de técnicas fílmicas documentales y experimentales, resaltando así los aspectos artísticos y performativos de la expresión cultural. Resulta clave en el trabajo de Hopinka un profundo compromiso con el relato desde su perspectiva indígena, una narrativa largo tiempo relegada en el canon occidental. Como explica el artista: “Mi deseo de hacer películas respondía en parte a la necesidad de contar historias indígenas que fueran propias de mi comunidad y de mi identidad”.
En Desmayos (2018), Hopinka explora la historia de la creación de la Xąwįska o planta de pipa de indio, también conocida como "flor fantasma" o "planta cadáver". El pueblo Ho-Chunk ha utilizado tradicionalmente esta planta medicinal para reanimar a quienes se desmayaban; también es emblemática de la identidad, el conocimiento y las culturas indígenas. Además, su simbolismo se puede relacionar con los ciclos de la vida y la muerte, y con el mundo espiritual. A pesar de su amplia investigación, Hopinka no logró encontrar un mito relativo a esta planta que determinara sus orígenes, por lo que él mismo ideó uno, contribuyendo así a la práctica de creación y preservación de mitos de su propia cultura indígena.
Este cortometraje de tres canales comienza con un poema manuscrito que va surcando escenas de un colorido paisaje en expansión, acompañadas de evocadora música. El poema, que también se encuentra rotulado, habla directamente a la Xąwįska, que más adelante aparece personificada como una figura envuelta en una capa y nos lleva a recorrer el mundo de los espíritus en diferentes estados de conciencia. En la obra, filmada en Washington, Colorado, Wisconsin, Oregón y Nuevo México, Hopinka genera una narrativa de ensoñación al combinar música, poesía, sonido, color e imágenes en una experiencia inmersiva única, específicamente adaptada en esta ocasión para el Museo Guggenheim Bilbao.
<img loading="lazy" class="alignnone wp-image-534378 size-full" src="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg" alt="Sky hopinka" width="1920" height="1082" srcset="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg 1920w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-300x169.jpg 300w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1024x577.jpg 1024w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-768x433.jpg 768w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1536x866.jpg 1536w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" />
Poema Desmayos (2018)
Xąwįska, Planta Fantasma, te has desmayado otra vez. 
Arranqué una flor de tu hombro 
y la aplasté entre mis dedos 
hasta que se convirtió en un amasijo gris claro. 
Le prendí fuego y soplé el humo en tu cara. 
Mientras esperaba a que te despertaras, pensé en las veces en que tu 
risa me despertaba de soñar despierto. 
¿Qué son esos verdiazules, esos naranjas, esos rosados? 
¿Ese torbellino de humo que te ruega que te eleves? 
Siempre he querido hacer estas preguntas. 
Cuando por fin ascendiste, soplaste el humo hacia tus manos 
y hablaste de mi madre.
Xąwįska, llevas sentada fuera demasiado tiempo. 
La noche está cayendo y los espíritus pueden vernos. 
Es hora de irse a casa. 
Me habías dicho: “Cuando veas los robles rojos, sigue la orilla del agua. 
Más adelante, verás que el río se bifurca: 
allí hallarás una hermosa parcela. 
Cualquier cosa brillante que lleves en las manos, quítatela; 
también si llevas algo colgado al cuello o en el resto de tu cuerpo, 
y nada hasta la orilla más cercana".
Xąwįska, te has desmayado otra vez. 
He intentado revivirte como yo aprendí. 
Pero no hay manera de que despiertes. Ahí sigues, inmóvil. 
Tú me enseñaste a cantar las canciones de nuestros hermanos 
para que nuestros parientes nos reconocieran. 
“¡Nuestras voces se oirán tan alto que llegarán al cielo!” 
Eso es lo que me dijiste. Eso es lo que recuerdo.
Xąwįska, has caído otra vez. Arranco flores de tu hombro, 
de tu brazo, de tu pierna. 
Las machaco y hago una pasta y le prendo fuego. 
Xąwįska, qué callada estás. 
Estoy junto a ti y respiro una bocanada llena de tu humo. 
Exhalo sobre ti. 
Ardes y te vuelves ceniza y te derrumbas. 
Me quedo solo otra vez. 
Pienso en aquel lugar del que una vez me hablaste, 
en la bifurcación del río, con los robles, 
mientras el cielo se vuelve rojo. 
Me he quedado aquí hasta ahora. 
Llevo aquí mucho tiempo. 
Ahora, yo mismo vagaré bordeando la orilla del lago.
Sala: 103 
Comisaria: Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Desmayos (Fainting Spells), 2018 
Video de tres canales en color, con sonido, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, edición de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, adquirido con fondos aportados por el Photography Council 
© Sky Hopinka

Biografía Sky Hopinka

Sky Hopinka, Desmayos

Sky Hopinka explora la cultura, la historia y las creencias tradicionales indígenas a través de temas como la identidad, la memoria, el lenguaje y el

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Barbara Kruger

Charla inaugural

Plano audioguía

Occident

Sala 205

Sala 206

Sala 207

Sala 209

Sala 203

Sala 202

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público a lo largo de más de cinco décadas con una obra audaz que incita a la reflexión. Esta exhaustiva muestra explora cómo Kruger utiliza el poder de las palabras y las imágenes para cuestionar las estructuras que configuran nuestras vidas: la identidad, el deseo, la verdad y el control.
Desde el inicio de su carrera, Kruger ha abordado críticamente cómo funciona el lenguaje en los medios de comunicación, en la política y en nuestros diálogos internos. Inspirándose en las estrategias visuales de la publicidad, emplea frases concisas y asertivas para componer textos en blanco y negro remarcados en rojo o verde; pero, en lugar de vender productos, sus obras reivindican un pensamiento crítico. Frases como “Tu cuerpo es un campo de batalla” o “Compro, luego existo” se han convertido en referentes culturales que suscitan cuestiones de importancia apremiante sobre el género, el consumo y el poder.
Esta exposición reúne obras que recorren toda su carrera: sus primeras composiciones con imágenes y textos (paste-ups), mensajes impresos en vinilo a gran escala, videoinstalaciones, intervenciones sonoras y piezas de ubicación específica creadas expresamente para el Museo Guggenheim Bilbao. A medida que avanzamos por las salas, el arte de Kruger va desplegándose en los suelos, paredes y pantallas, sumergiéndonos en un ambiente visual y sonoro cargado de intensidad. Su obra no solo pide ser contemplada, sino que induce a experimentar, afrontar y cuestionar.
En diálogo con la propia historia lingüística y cultural de Bilbao, Kruger ha creado obras en español y euskera que exploran cómo la lengua determina quiénes somos y cómo nos relacionamos. En sus propias palabras: “El lenguaje es una fuerza poderosa... y nos define”. En una época en que la información es incesante y la verdad parece cada vez más inestable, el arte de Kruger nos anima a reducir nuestro ritmo, leer con atención y pensar en profundidad. Con un sentido de urgencia, ingenio y precisión formal, nos recuerda que las imágenes hablan, y lo mismo debemos hacer nosotros.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
 
Barbara Kruger 
Untitled (Forever), 2017/2025. Impresión digital sobre vinilo. Vista de la instalación Barbara Kruger: Another day. Another night. Museo Guggenheim Bilbao, 24 de junio–9 de noviembre, 2025. Cortesía de la artista y Sprüth Magers

Proyectos públicos

Objetos cotidanos

En el museo

Vídeo de la Exposición

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Barbara Kruger: Another day. Another night. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

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Visita Virtual

Barbara Kruger: Another day. Another night.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público

Barbara Kruger: Another day. Another night. | Guggenheim Bilbao Museoa

Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas

Fundación BBVA

Su sello personal: la década de 1950

Siguiendo la corriente: la década de 1960

El hallazgo de una nueva libertad: la década de 1970

Umbrales: la década de 1980

En busca de la belleza: la década de 1990

Pintando hasta el final: la década de 2000

Amistades

Una invitación a la escultura

Helen Frankenthaler (1928–2011) desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color. La artista, conocida por haber inventado la técnica de “empapar y manchar” y cuya constante experimentación se prolongó durante seis décadas, concibió un considerable corpus de obras sobre lienzo y papel, además de esculturas, cerámica, tapices y obra gráfica. Sus innovadoras creaciones, presentes en las colecciones de los principales museos de todo el mundo, siguen inspirando a los artistas en la actualidad.
Nacida en la ciudad de Nueva York, Frankenthaler estudió arte con un enfoque tradicional de la mano de Paul Feeley en el Bennington College de Vermont antes de regresar a Manhattan, donde se decantó por la abstracción. A principios de la década de 1950 pudo conocer directamente a las figuras clave de la Escuela de Nueva York, iconos del arte estadounidense de la posguerra que compartían con Frankenthaler su firme apuesta por lo experimental y que, en algunos casos, pasaron a formar parte de su círculo social más íntimo.
Helen Frankenthaler: Pintura sin reglas contextualiza su producción a la luz de sus afinidades, influencias y amistades en el mundo del arte. La exposición presenta una treintena de poéticas abstracciones creadas por la autora entre 1953 y 2002, e incluye asimismo destacadas pinturas y esculturas de algunos de sus contemporáneos —Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko y David Smith— que ilustran las sinergias generadas entre estos artistas.
La muestra plantea un recorrido cronológico que comienza en los años cincuenta y concluye en la primera década del siglo xxi. Cada sección, acompañada de un texto explicativo, representa un capítulo de la prolífica trayectoria de Frankenthaler. Pintura sin reglas celebra el legado de una artista pionera que jamás dejó de explorar nuevas vías de la abstracción.
La exposición está organizada por la Fondazione Palazzo Strozzi, Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation, Nueva York en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao; y está comisariada por Douglas Dreishpoon, director del catálogo razonado de la artista.
Sala: 105
 
Helen Frankenthaler 
Azul móvil (Moveable Blue), 1973 
Acrílico sobre lienzo 
177,8 x 617,8 cm 
ASOM Collection 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP 
Foto: © ASOM Collection

IN FOCUS Helen Frankenthaler

Cronología

Te invitamos a disfrutar de una visita virtual a la exposición de Helen Frankenthaler. Este recorrido incluye todas las obras y los textos didácticos presentes en la muestra.

Helen Frankenthaler (1928–2011) desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color. La artista,

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in situ: Refik Anadol

Partner de la exposición:

1of1

Partner tecnológico:

Euskaltel (Anadol)

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de la práctica contemporánea. Englobando a autores que trabajan en el ámbito del arte, la tecnología, la música y la performance, in situ investiga formas alternativas de percibir y habitar el espacio.
in situ: Refik Anadol acoge Arquitectura viva: Gehry, una innovadora instalación audiovisual que reimagina el legado arquitectónico de Frank Gehry a través de la inteligencia artificial (IA) y el arte generativo. Desarrollado por Refik Anadol Studio, un modelo personalizado de IA (Large Architecture Model) tecnológicamente avanzado ha sido entrenado durante meses con un amplísimo número de imágenes, bocetos y planos de acceso libre con el fin de traducir el vocabulario arquitectónico de Gehry en dinámicas formas, colores y movimientos en constante evolución. Este espectáculo visual es intensificado por el paisaje sonoro inmersivo compuesto por Kerim Karaoglu fusionando el audio generado por la IA con grabaciones registradas en el propio Museo.
Arquitectura viva: Gehry se despliega en seis capítulos interconectados, cada uno de los cuales representa una etapa diferente del proceso mediante el cual los datos se convierten en fantasía arquitectónica:
<ul>
<li>Capítulo I — Universo de datos. Una vasta constelación de datos y materiales —fotografías de archivo, planos y documentos estructurales— se van compilando en una memoria.</li>
<li>Capítulo II — Trazado de datos. A medida que los datos se procesan, surgen patrones complejos a través de formas, texturas y composiciones en el espacio.</li>
<li>Capítulo III — Túnel de datos. Los datos pasan a configurar entornos visuales inmersivos en el espacio latente, invitando al público a adentrarse en la evolución del proceso de colaboración entre seres humanos y máquinas.</li>
<li>Capítulo IV — Large Architecture Model. Al transformar las formas de Gehry, la IA genera nuevas posibilidades arquitectónicas que traspasan los límites de la imaginación y el diseño.</li>
<li>Capítulo V — Alucinación de la máquina. Un momento de abstracción, en el que las estructuras generadas por IA se liberan de los límites convencionales del espacio y revelan visiones arquitectónicas alucinatorias y oníricas.</li>
<li>Capítulo VI — Sueños. Regreso al universo de la arquitectura, reinterpretado ahora a través de la imaginación ilimitada de la IA, donde la arquitectura se transforma en tiempo real, generando incesantemente nuevas formas que surgen y evolucionan a cada instante.</li>
</ul>
Como exposición inaugural de la serie in situ, Arquitectura viva: Gehry refleja bien la exploración de Anadol sobre el futuro del arte de ubicación específica impulsado por inteligencia artificial, en el que los datos se convierten en material y el espacio en un lienzo de memoria, forma e imaginación en constante evolución.
Desarrollada a partir de datos obtenidos de manera ética y la aplicación de una computación sostenible, esta instalación muestra un cuidadoso enfoque de la creación digital que aúna innovación y responsabilidad.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Refik Anadol Studio 
Vista de la instalación Arquitectura viva: Gehry (Living Architecture: Gehry) en el Museo Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

El proceso tras Arquitectura viva: Gehry

Con esta muestra se inicia in situ, una nueva serie expositiva dedicada a presentar instalaciones de ubicación específica que trascienden los límites de

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Tercera planta

Por motivos de cambio de exposición, algunas galerías de la tercera planta permanecerán cerradas hasta el 7 de noviembre. 
Para saber qué obras de la Colección están expuestas actualmente, por favor consulta el siguiente <a href="https://www.guggenheim-bilbao.eus/la-coleccion/obras">enlace</a>, donde encontrarás las fichas de cada una de ellas.
Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt y El Anatsui. La obra de este último, Mar creciente, es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera del artista africano y constituye la última adquisición de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
Salas: tercera planta 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller y Marta Blàvia

Si las paredes hablaran…

El Anatsui

Jenny Holzer

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Por motivos de cambio de exposición, algunas galerías de la tercera planta permanecerán cerradas hasta el 7 de noviembre. Para saber qué obras de la

Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao | Guggenheim Bilbao Museoa

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su madre la criará con la ayuda de su entorno familiar. Vieira da Silva crece en un ambiente donde se aprecia el arte y el teatro, desarrollando un gusto por la música que dejará en ella una impronta duradera. Estudia pintura y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Lisboa y en 1928 se traslada a París para continuar su formación en la Académie de la Grande-Chaumière, donde conocerá a su futuro marido, el pintor húngaro Arpad Szenes. Ambos residen en París hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, que los lleva a refugiarse en Río de Janeiro; siete años después, regresan a París. Ya a finales de la década de 1950, las complejas abstracciones de Vieira da Silva le otorgan fama y reconocimiento. La artista seguirá pintando hasta bien entrados los años ochenta. Habiendo recibido numerosas distinciones, entre ellas su nombramiento como Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres por parte del Gobierno francés en 1960, la artista fallece en París el 6 de marzo de 1992.
Esta exposición recorre la producción de Vieira da Silva comprendida entre las décadas de 1930 y 1980 centrándose en su interés por el paisaje arquitectónico y en el papel que desempeña la memoria en su obra. Fundamentan la muestra una selección de pinturas clave que revelan el despliegue constante e iterativo de formas abstractas e ilusiones ópticas en su trayectoria. Otro aspecto clave que aquí se aborda es la relación entre abstracción y figuración en su trabajo, tal y como se manifiesta en sus espacios arquitectónicos, donde se desdibuja la distinción entre paisaje urbano real e imaginado. Las creaciones de la artista incorporan diversos estilos e influencias, como la geometría decorativa de los azulejos hispanoárabes, los manteles de cuadros que aparecen en las pinturas de Pierre Bonnard o la abstracción propia del Cubismo y del Futurismo. Su personal vocabulario está compuesto de tableros de ajedrez, entramados de líneas entrecruzadas, perspectivas esquivas y espacios que se desvanecen, lo que sugiere, como ella misma afirmó, que “una pintura nunca está terminada”.
La obra de Vieira da Silva ha estado históricamente muy ligada tanto al legado de Peggy Guggenheim como al de Solomon R. Guggenheim. Fue una de las 31 artistas que Peggy Guggenheim incluyó en su exposición 31 Women, celebrada en 1943 en su museo/galería Art of This Century; y Hilla Rebay fue una de sus primeras valedoras, adquiriendo en 1937 el cuadro Composición (1936) para la Colección Fundacional de Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva habló pocas veces de su trabajo. Al respecto, decía: “Los pintores podemos sonar estúpidos cuando hablamos. Sabemos muchas cosas, pero hablamos a través de nuestras pinturas”. Sin embargo, en una ocasión se vio obligada a explicar su método; esbozó entonces una certera síntesis: “En general, no me gustan las obras que hacen alarde de su dificultad. Prefiero esas otras obras refinadas que nos permiten presentir, adivinar desde lejos, la complejidad de las cosas del mundo”.
Sala: 105 
Comisaria: Flavia Frigeri 
Sedes: Peggy Guggenheim Collection, Venecia; Museo Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París - Lisboa 
N.º de inventario: CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio

Maria Helena Vieira da Silva nace el 13 de junio de 1908 en el seno de una familia acomodada. Al fallecer su padre cuando ella tiene solamente 2 años, su

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Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales de la década de 1990, su influyente práctica ha abordado la relación entre la cultura popular y la tecnología, y explorado temas como la juventud, la clase social y la nostalgia. Su producción a base de objetos encontrados y sus obras en vídeo se basan en elementos procedentes de la cultura popular. Concretamente, Leckey es conocido por las piezas Fiorucci Made Me Hardcore (1999) y UniAddDumThs; (2015–actualidad). En 2008, recibió el premio Turner por la exposición Industrial Light and Magic, del mismo año.
En los últimos seis años, Leckey ha presentado un programa de la emisora NTS Radio sobre música experimental a cargo de artistas tanto consagrados como emergentes. La exposición en el Museo Guggenheim Bilbao presentará la multiplicidad de fuentes que se integran en el trabajo de Leckey, como el sonido, la escultura y la performance.
Salas: 204, 208 
Comisaria: Lekha Hileman Waitoller
Mark Leckey 
Vista de la instalación, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, 24 de septiembre - 5 de enero de 2020. 
Fotografía de Mark Blower, cortesía del artista, Cabinet Gallery London y Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Reino Unido, 1964) es un artista contemporáneo británico que reside y trabaja en Londres. Desde que alcanzara la fama a finales

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Iberdrola

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del arte orientado al medioambiente de las últimas décadas. Además de brindar una nueva cartografía multidisciplinar y diversa de las formas artísticas, la muestra quiere también ofrecer un inventario de herramientas, posibilidades y futuros. Artes de la Tierra toma la preocupación actual por la salud de nuestro planeta y en particular por la supervivencia del suelo en tanto que elemento vivo, plástico y matriz, como eje vertebrador de un recorrido por manifestaciones artísticas que atraviesan todas las geografías. Un trazado que conecta artefactos hechos con tierra, madera, hojas, raíces y plantas —medios ancestrales que han cobrado una vigencia nueva en la actualidad— con intervenciones terrestres que han venido a conocerse como Land Art o Earthworks desde hace algunas décadas: anti-monumentos vivos, realizados en lugares remotos, a veces efímeros, cuyas marcas leemos hoy como profecías del Antropoceno.
Artistas de las culturas más diversas se han preguntado, a lo largo de las últimas generaciones, cómo trabajar la tierra cuando más necesita cuidado y reparación; cómo apreciar y devolver sus obsequios; cómo aprender de aquello que nos ofrece, cuando parece estar siendo despojada de su riqueza biológica, mineral, orgánica y química. El potencial constructivo del suelo y las sustancias que lo componen nos lleva mucho más allá de las formulaciones clásicas de la escultura, la arquitectura o el paisajismo. En los últimos años, muchos artistas han experimentado con las dinámicas del sustrato, han unido procesos de composición y compostado, trazando líneas y revelando las raíces comunes de cultura y agricultura; forma, formación y terraformación. Así, Artes de la Tierra reúne trabajos históricos desde 1970 hasta la actualidad, y aborda medios como la escultura, la instalación, el dibujo y la performance, además de una extensa selección de materiales de archivo. Incluyendo prácticas que a menudo convocan formas múltiples de conocimiento colaborativamente, vemos cómo la agronomía, la botánica, la geología, la química y la biología vienen al encuentro de las artes, la arquitectura y el diseño.
Salas: 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Comisario: Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Uña y hojas de laurel (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Vidrio y hojas de laurel 
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery 
Foto: Alex Yudzon

Artes de la Tierra

Arraigada en el marco estratégico para la Sostenibilidad Ambiental del Museo Guggenheim Bilbao, la exposición Artes de la Tierra plantea una relectura del

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18€ Adultos - 9€ Jubilados - 9€ Estudiantes

La iniciativa TopARTE del Museo Guggenheim Bilbao se reafirma en su compromiso con las entidades y agentes culturales de nuestro entorno más próximo. El resultado de esta fructífera colaboración es un variado programa multidisciplinar rico en contenidos y formatos, y destinado a todos los públicos.
Así, en el marco de esta iniciativa se presentan en el Museo actividades que abarcan disciplinas tan diversas como la arquitectura, el cine, la danza, el diseño, la gastronomía, la música, la performance o el teatro.

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Sky Hopinka, Desmayos

18.09.2025 - 18.01.2026

Barbara Kruger: Another day. Another night.

24.06.2025 - 09.11.2025

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11.04.2025 - 28.09.2025

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07.03.2025 - 12.10.2025

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