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Expositions

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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

Sky Hopinka

Guide-audio

Sky Hopinka explore la culture, l’histoire et les croyances traditionnelles amérindiennes à travers l’identité, la mémoire, la langue et les mythes. Membre de la nation Ho-Chunk du Wisconsin et descendant du groupe Pechanga du peuple Luiseño du sud de la Californie, Hopinka est né et a grandi à Ferndale, Washington, dans les États-Unis. Le nord-ouest du Pacifique joue un rôle clé dans ses oeuvres, en particulier lorsqu’il aborde des concepts tels que la patrie, l’identité personnelle et le paysage. Ses films, qui invitent à réfléchir sur les complexités de la vie actuelle des amérindiens, mêlent le cinéma non narratif, la poésie et l’imagerie abstraite avec une approche ethnopoétique, une réaction face au regard ethnographique qui a longtemps chosifié les cultures amérindiennes au format audiovisuel.
Le cinéma ethnopoétique évoque les thèmes de l’identité culturelle, le déplacement et la vie quotidienne à travers une combinaison de techniques de cinéma documentaire et expérimental, mettant ainsi en évidence les aspects artistiques et performatifs de l’expression culturelle. À travers son oeuvre, Hopinka témoigne d’un engagement profond, de sa volonté de raconter des histoires du point de vue amérindien, un récit longtemps délaissé par la tradition occidentale. L’artiste l’explique ainsi : « Le désir que j’avais de faire des films était en partie dû à la nécessité de raconter des histoires amérindiennes, propres à ma communauté et à mon identité ».
Dans Évanouissements (2018), Hopinka explore l’histoire de la création de la Xąwįska, ou Pipe indienne, également connue sous le nom de « fleur fantôme » ou « plante cadavre ». Traditionnellement employée par le peuple Ho-Chunk pour ranimer une personne après un évanouissement, cette plante médicinale est également emblématique de l’identité, du savoir et de la culture amérindiens. En outre, son symbolisme peut être lié aux cycles de la vie et de la mort, ainsi qu’au monde spirituel. Lorsque Hopinka, malgré de longues recherches, n’a pas réussi à trouver un mythe sur l’origine de cette plante, il en a inventé un lui-même, contribuant ainsi à la pratique de la création et de la préservation de mythes de sa propre culture indigène.
Le court métrage à trois canaux commence par un poème manuscrit qui traverse des scènes d’un paysage coloré qui s’étale avec, en toile de fond, une musique fort évocatrice. Le texte du poème, qui est également affiché sur un des murs dans cet espace, s’adresse directement à la Xąwįska, personnifiée sous la forme d’une figure enveloppée dans un manteau, qui nous emmène dans un voyage à travers le monde des esprits dans différents états de conscience. Dans cette oeuvre, créée à Washington, Colorado, Wisconsin, Oregon et Nouveau-Mexique, Hopinka crée un récit onirique dans lequel la musique, la poésie, les sons, les couleurs et les images se superposent dans une expérience immersive unique, spécialement conçue dans cette nouvelle édition pour le Musée Guggenheim Bilbao.
<img loading="lazy" class="alignnone wp-image-534378 size-full" src="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg" alt="Sky hopinka" width="1920" height="1082" srcset="https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07.jpg 1920w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-300x169.jpg 300w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1024x577.jpg 1024w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-768x433.jpg 768w, https://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/FS-HR-07-1536x866.jpg 1536w" sizes="(max-width: 1920px) 100vw, 1920px" />
Poème Évanouissements (2018)
Xąwįska, Mamu Landare, berriro galdu duzu kordea. 
Lore bat erauzi dizut sorbaldatik 
eta hatz artean kiribildu dut 
birrin griskara bihurtu den arte. 
Su eman diot, eta zure aurpegirantz egin diot putz keari. 
Zu noiz esnatuko zain, gogoeta egin dut zenbatetanez ote nauen 
esnatu ameskeriatik zure barre-algarak. 
Zer dira berde-urdin horiek, laranja horiek, arrosa horiek? 
Altxatzeko erregutzen dizun ke-laino zurrunbilotsua? 
Beti egin nahi izan ditut galdera hauek. 
Behingoz altxatu zarenean, eskuetara bota duzu arnastutako kea 
eta nire amaz mintzatu zara.
Xąwįska, luzaroegi daramazu kanpoan eserita. 
Iluntzen ari du eta espirituek ikusi egin gaitzakete. 
Etxera joateko ordua da. 
Behinola esan zenidan: “Haritz gorriak ikustean, jarraitu urari. 
Gero, ibaia bitan banatzen dela ikusiko duzu: 
lursail eder bat aurkituko duzu han. 
Kendu daramazun gauza distiratsu oro eskuetatik, 
lepotik, gorputzetik, 
eta egizu igeri hurbilen duzun ibaiertzera”.
Xąwįska, berriro galdu duzu kordea. 
Zu suspertzen saiatu naiz, dakidan moduan. 
Baina ez duzu ez altxatzeko asmorik. Hor jarraitzen duzu, geldi. 
Gure anaien kantuak kantatzen irakatsi zenidan 
gure ahaideek nor garen jakin ahal izateko. 
“Ozen entzungo dira bai gure ahotsak! Izarrartera goratu arte!” 
Hori esan zenidan. Hori dut gogoan.
Xąwįska, berriro erori zara. Loreak erauzi dizkizut sorbaldatik, 
besotik, hankatik. 
Birrindu eta su eman diet. 
Xąwįska, hain zaude isil. 
Ondoan naukazu, zure kea ahokadaka arnasten. 
Zure gainera egin dut hats. 
Erretzen, errausten, amiltzen zaude. 
Berriro geratu naiz bakarrik. 
Behin aipatu zenidan leku hura dut gogoan, 
haritz artean ibaia bitan banatzen den lekua, 
bitartean gorritzen ari da zerua. 
Hemen egon naiz orain arte. 
Luze daramat berton. 
Orain, neu ibiliko naiz alderrai laku-ertzaren inguruan.
Salle : 103 
Commissaire : Geaninne Gutiérrez-Guimarães
 
Sky Hopinka 
Évanouissements (Fainting Spells), 2018 
Vidéo couleur à trois canaux, avec son, 9 min, 45 s 
A.P. 1/2, édition de 3 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, acheté grâce aux fonds contribués par le Photography Council, 2021 
© Sky Hopinka

Biographie de Sky Hopinka

Sky Hopinka : Évanouissements

Sky Hopinka explore la culture, l’histoire et les croyances traditionnelles amérindiennes à travers l’identité, la mémoire, la langue et les mythes.

Sky Hopinka : Évanouissements | Musée Guggenheim Bilbao

Barbara Kruger

Conférence inaugurale

Plan des audioguides

Occident

Salle 205

Salle 206

Salle 207

Salle 209

Salle 203

Salle 202

Le Musée Guggenheim Bilbao présente la première exposition complète en Espagne de Barbara Kruger, une artiste américaine qui séduit le public par son œuvre audacieuse et stimulante depuis plus de cinq décennies. Dans cette vaste exposition, le visiteur découvre la manière dont Kruger exploite les mots et les images pour remettre en question les structures qui façonnent notre vie quotidienne : l’identité, le désir, la vérité et le contrôle.
Dès le début de sa carrière, Kruger s’est interrogée sur la façon dont le langage est employé dans les médias, en politique et dans nos propres dialogues intérieurs. En utilisant des slogans percutants, rédigés sobrement en caractères noirs et blancs ponctués de rouge ou de vert, elle s’inspire du langage visuel de la publicité, non pour vendre des produits mais pour interpeller le spectateur et provoquer une réflexion critique. Des expressions telles que « Ton corps est un champ de bataille » ou « J’achète, donc je suis » sont devenues des références culturelles, qui soulèvent des interrogations pressantes sur le genre, la consommation et le pouvoir.
Cette exposition rassemble des œuvres de toute sa carrière, certains de ses premiers photomontages (paste-ups), des textes imprimés sur vinyle à grande échelle, des installations vidéo, des interventions audio et des pièces spécialement conçues pour le Musée Guggenheim Bilbao. Au fur et à mesure qu’on se déplace dans les galeries, on découvre que les œuvres de Kruger investissent les sols, les murs et les écrans et on se trouve plongé dans un environnement visuel et sonore bigarré. Son œuvre n’est pas uniquement conçue pour être regardée, elle invite le visiteur à l’expérimentation, au questionnement et à la confrontation.
Dans un dialogue avec l’histoire linguistique et culturelle de Bilbao, Kruger a créé des œuvres en espagnol et en basque qui explorent la manière dont la langue définit notre identité et notre manière de vivre ensemble. D’après ses propres termes : « La langue est une force puissante ; elle nous définit. »
À une époque où l’information est constante et la vérité de plus en plus instable, l’œuvre de Kruger nous encourage à ralentir, à lire attentivement et à réfléchir profondément. Pleine d’esprit, d’urgence et de précision formelle, elle nous rappelle que les images parlent et que nous devons en faire autant.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
&nbsp;
Barbara Kruger 
Untitled (Forever), 2017/2025. Impression numérique sur vinyle. Vue d'installation Barbara Kruger: Another day. Another night. Musée Guggenheim Bilbao, 24 juin – novembre 9, 2025. Courtoisie de l’artiste et Sprüth Magers

Projects publics

Objects quotidiens

Au musée

Vidéo de l'exposition

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Barbara Kruger: Another day. Another night. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

COMMENCEZ MAINTENANT

VISITE VIRTUELLE

Barbara Kruger: Another day. Another night.

Le Musée Guggenheim Bilbao présente la première exposition complète en Espagne de Barbara Kruger, une artiste américaine qui séduit le public par son

Barbara Kruger: Another day. Another night. | Musée Guggenheim Bilbao

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles

Fundación BBVA

Son empreinte personnelle : les années 1950

Suivre le courant : les années 1960

La découverte d’une nouvelle liberté : les années 1970

Seuils : les années 1980

À la recherche de la beauté : les années 1990

Peindre jusqu’au bout : les années 2000

Amitiés

Une invitation à la sculpture

Helen Frankenthaler (1928–2011) a joué un rôle majeur dans la transition de l’expressionnisme abstrait au color-field painting (littéralement « peinture du champ coloré »). Reconnue pour avoir inventé la technique du soak stain (tremper-tacher) sur laquelle elle expérimente pendant des décennies, l’artiste a conçu un corpus considérable d’oeuvres sur toile et sur papier, ainsi que des sculptures, des céramiques, des tapisseries et des oeuvres graphiques. Ses créations novatrices, présentes dans les collections des plus grands musées du monde, continuent d’inspirer les artistes contemporains.
Née à New York, Frankenthaler étudie l’art avec une approche classique sous la direction de Paul Feeley, au Bennington College, dans le Vermont, avant de rentrer à Manhattan, où elle s'est tournée vers l’abstraction. Au début des années 1950, elle rencontre les figures phares de l’École de New York, des icônes de l’art américain d’après-guerre qui partagent avec Frankenthaler un engagement en faveur de l’expérimental et qui, dans certains cas, intégreront son cercle social le plus proche.
Helen Frankenthaler : Peindre sans règles met en lumière la pratique créative de l’artiste à travers ses affinités artistiques, ses influences et ses relations dans le milieu artistique. Rassemblant une trentaine d’abstractions poétiques signées par l’artiste entre 1953 et 2002, l’exposition comprend également une sélection de peintures et de sculptures de certains de ses contemporains — Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko et David Smith —, qui viennent souligner les synergies liant ces artistes. L’exposition trace un parcours chronologique qui commence dans les années 1950 et se termine dans la première décennie du 21e siècle. Chaque section, accompagnée d’un texte explicatif, constitue un chapitre de la carrière prolifique de Frankenthaler. Peindre sans règles rend hommage à l’héritage d’une artiste pionnière qui n’a jamais interrompu sa quête de nouvelles voies de création dans le champ de l'art abstrait.
Cette exposition est organisée par la Fondazione Palazzo Strozzi, Florence et l’Helen Frankenthaler Foundation, New York en collaboration avec le musée Guggenheim Bilbao ; et conçue par le commissaire Douglas Dreishpoon, directeur du catalogue raisonné de Helen Frankenthaler.
Salle : 105
 
Helen Frankenthaler 
Bleu mobile&lt;/em &gt; (Moveable Blue), 1973 
Acrylique sur toile 
177,8 x 617,8 cm 
ASOM Collection 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York / VEGAP 
Photo : © ASOM Collection

IN FOCUS Helen Frankenthaler

Chronologie

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Helen Frankenthaler. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Helen Frankenthaler (1928–2011) a joué un rôle majeur dans la transition de l’expressionnisme abstrait au color-field painting (littéralement « peinture

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles | Musée Guggenheim Bilbao

Partner de l’exposition :

1of1

Partenaire technologique : 

Euskaltel (Anadol)

Cette exposition marque le lancement de in situ, une nouvelle série consacrée à des  installations conçues et réalisées en interaction avec le lieu qui les accueille et qui  repoussent les limites des pratiques contemporaines. Faisant appel à des artistes de  disciplines variées — arts visuels, technologie, musique et performance —, in situ explore  de nouvelles manières de percevoir et d’habiter l’espace.
in situ : Refik Anadol accueille Architecture vivante : Gehry, une installation audiovisuelle  révolutionnaire qui réimagine — à l’aide de l’intelligence artificielle et de l’art génératif —  l’héritage architectural de Frank Gehry. Pour la réaliser, un logiciel personnalisé de  technologie avancée fondé sur l’IA, appelé Large Architecture Model (LAM), a été entraîné  pendant des mois avec un grand nombre d’images, de croquis et de plans en libre accès  afin de traduire le vocabulaire architectural de Gehry en un paysage numérique de formes,  de couleurs et de mouvements dynamiques en constante évolution. Ce spectacle visuel  est accompagné d’un paysage sonore immersif composé par Kerim Karaoglu, basé sur des  sons générés par l’IA et des enregistrements réalisés dans le Musée lui-même.
Architecture vivante : Gehry comprend six chapitres interconnectés, chacun représentant  une étape différente de l’évolution des données vers l’imagination architecturale :
<ul>
<li>Chapitre I Univers des données – Une myriade de matériaux numérisés — photographies  d’archives, plans et documents structurels — sont compilés dans un espace  de mémoire.</li>
<li>Chapitre II Représentation graphique des données – Des motifs commencent à émerger  au fur et à mesure que l’IA traite les matières premières et établit des  relations entre la forme, la texture et la composition spatiale.</li>
<li>Chapitre III Tunnel des données – Les données se transforment en environnements  visuels immersifs dans l’espace latent, invitant les spectateurs à s’engager  dans le processus évolutif de la collaboration humain-machine.</li>
<li>Chapitre IV Large Architecture Model – En transformant les formes de Gehry, l’IA génère  de nouvelles possibilités architecturales qui repoussent les limites de  l’imagination et de la conception.</li>
<li>Chapitre V Hallucination de la machine – Un moment d’abstraction, où les structures  générées par l’IA s’affranchissent des contraintes spatiales conventionnelles.</li>
<li>Chapitre VI Rêves – Un retour au monde de l’architecture — réinterprété à travers  l’imagination illimitée de l’IA —, où l’architecture se transforme en temps réel,  générant continuellement de nouvelles formes qui émergent et évoluent à  chaque instant.</li>
</ul>
En tant qu’exposition inaugurale de la série in situ, l’installation Architecture vivante : Gehry  illustre la manière dont Anadol explore l’avenir de l’art créé spécifiquement pour un espace  et piloté par l’IA, où les données deviennent des matériaux et l’espace, une toile numérique  qui traduit le cheminement de la mémoire, des formes et de l’imagination.
Construite à partir de données issues de sources éthiques exploités par des pratiques informatiques durables, cette installation témoigne d’une approche réfléchie de la création numérique qui allie innovation et responsabilité.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Refik Anadol Studio 
Vue de l’installation Architecture vivante : Gehry (Living Architecture: Gehry) au Musée Guggenheim Bilbao 
© Refik Anadol, Bilbao 2025

Le processus de création de Architecture vivante : Gehry

in situ: Refik Anadol

Cette exposition marque le lancement de in situ, une nouvelle série consacrée à des  installations conçues et réalisées en interaction avec le lieu qui

in situ: Refik Anadol | Musée Guggenheim Bilbao

3ème étage

En raison de changement d’exposition, certaines galeries du troisième étage resteront fermées jusqu’au 7 novembre. 
Pour savoir quelles œuvres de la Collection sont actuellement exposées, veuillez consulter <a href="https://www.guggenheim-bilbao.eus/fr/la-collection/oeuvres">le lien suivant</a>, où vous trouverez les fiches de chaque œuvre.
Cette présentation de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao présente une sélection d’oeuvres fondamentales qui cristallisent des moments clé de l’histoire de l’art après la Seconde Guerre mondiale. Geste ambitieux visant à amplifier la résonance entre art et architecture, cette installation, faite de plusieurs des pièces majeures de la Collection, met en valeur l’architecture originale du bâtiment et elle est un chant aux espaces lumineux et dégagés du troisième étage du Musée.
Cette exposition s’inspire tout autant du fonds d’oeuvres singulières d’artistes individuels que des mouvements de l’histoire de l’art, bien illustrés par notre Collection. Ainsi, l’accrochage met en lumière des auteurs qui ont travaillé à l’avant-garde de leur époque et dont la contribution a été réellement déterminante dans leur domaine. Chaque salle donne l’occasion de contempler la production d’un artiste, ou de plusieurs, qui explorent des préoccupations partagées depuis différentes perspectives.
Certaines salles sur cet étage montrent des installations conçues pour un emplacement spécifique ou des pièces uniques à caractère expérientiel, comme les espaces dédiés à Sol LeWitt et El Anatsui. L’oeuvre de ce dernier, Mer montante, est une sculpture contemporaine d’une grande importance dans la carrière de l’artiste africain. C’est aussi la dernière acquisition de la Collection. D’autres salles accueillent des montages thématiques sur l’émergence de l’art abstrait après la Seconde Guerre mondiale, ainsi que sur les rapprochements effectués entre art abstrait et spiritualité. Certaines salles abordent des langages artistiques ultérieurs, déployés de 1960 à 1980, par exemple l’art pop et la présence du populaire dans la création contemporaine. Une documentation historique sur ces courants artistiques et sur les auteurs qui y ont contribué vient compléter le tout.
&nbsp;
Salles : Troisième étage 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller, Marta Blàvia

Si les murs pouvaient parler...

El Anatsui

Jenny Holzer

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

En raison de changement d’exposition, certaines galeries du troisième étage resteront fermées jusqu’au 7 novembre. Pour savoir quelles œuvres de la

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva est née le 13 juin 1908 au sein d’une famille aisée. Lorsque son père décède, alors qu’elle n’avait que 2 ans, sa mère l’élève avec l’aide de sa famille. Vieira da Silva grandit dans un environnement qui l’a encouragée à cultiver une passion pour l’art, le théâtre et la musique qui la marquera fortement. Après avoir étudié la peinture et le dessin à l’Académie des beaux-arts de Lisbonne, en 1928, elle s’installe à Paris pour poursuivre sa formation à l’Académie de la Grande-Chaumière, où elle rencontrera son futur mari, le peintre hongrois Arpad Szenes. Ils vivent tous deux à Paris jusqu’au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, qui les conduit à se réfugier à Rio de Janeiro, jusqu’à leur retour à Paris, sept ans plus tard. Dès la fin des années 1950, Vieira da Silva devient une artiste célèbre et reconnue par ses abstractions complexes. L’artiste continuera à peindre jusque dans les années 1980. Lauréate de nombreux prix, elle a notamment été nommée Commandeure de l’ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français en 1960. L’artiste décède à Paris le 6 mars 1992.
Cette exposition se penche sur le travail de l’artiste des années 1930 aux années 1980, en explorant son rapport avec les paysages architecturaux urbains ainsi que l’importance de la mémoire dans son oeuvre. L’exposition s’appuie sur une sélection de peintures clés qui révèlent le déploiement constant et itératif de formes abstraites et d’illusions d’optique au cours de sa carrière. Un autre aspect clé abordé ici est la relation entre l’abstraction et la figuration dans son oeuvre, telle qu’elle se manifeste dans ses espaces architecturaux, où la distinction entre le paysage urbain réel et imaginé reste floue. L’oeuvre de l’artiste mêle différents styles et influences, tels que la géométrie décorative des carreaux hispano-arabes, les nappes à carreaux des tableaux de Pierre Bonnard ou l’abstraction du Cubisme et du Futurisme. Son vocabulaire personnel est composé d’échiquiers, de lignes qui s’entrecroisent, de perspectives insaisissables et d’espaces qui s’éloignent, suggérant qu’ « un tableau n’est jamais terminé », comme elle l’a elle-même déclaré.
L’oeuvre de Vieira da Silva est historiquement liée à l’héritage artistique de Peggy Guggenheim et de Solomon R. Guggenheim. Elle figurait parmi les 31 artistes choisies par Peggy Guggenheim pour son exposition de 1943, 31 Women, à son musée-galerie Art of This Century ; et Hilla Rebay fut l’une des premières à soutenir le travail de Vieira da Silva, ayant acheté en 1937 l’oeuvre Composition (1936) pour la Collection Fondatrice Solomon R. Guggenheim.
Vieira da Silva parlait rarement de son travail. Elle disait souvent : « Nous, les peintres, pouvons paraître stupides quand nous parlons. Nous savons beaucoup de choses, mais nous parlons à travers nos peintures ». À une occasion, cependant, elle a été contrainte d’expliquer sa méthode ; elle a alors réalisé une synthèse mordante : « En général, je n’aime pas les oeuvres qui font étalage de leur difficulté. Je préfère ces autres oeuvres raffinées qui nous permettent de sentir, de deviner de loin, la complexité des choses du monde ».
Salle : 105 
Commissaire : Flavia Frigeri 
Sièges : Peggy Guggenheim Collection, Venise ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Maria Helena Vieira da Silva (1908 – 1992) 
Figure de ballet, 1948 
Huile et graphite sur toile, 27 × 46 cm 
Courtoisie de la Galerie Jeanne Bucher Jaeger, Paris - Lisbonne 
N° d’inventaire : CR587

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

Maria Helena Vieira da Silva est née le 13 juin 1908 au sein d’une famille aisée. Lorsque son père décède, alors qu’elle n’avait que 2 ans, sa mère

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l&#039;espace | Musée Guggenheim Bilbao

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace | Musée Guggenheim Bilbao

Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) est un artiste britannique contemporain, résidant et travaillant à Londres. Depuis sa reconnaissance à la fin des années 1990, le travail de Mark Leckey a marqué l'art contemporain par son exploration des liens entre culture populaire et technologie, abordant des thématiques comme la jeunesse, la classe sociale et la nostalgie. Son travail, souvent constitué d'objets trouvés et de vidéos, s'inspire d'éléments de la culture populaire. Leckey est particulièrement connu pour ses œuvres Fiorucci Made Me Hardcore (1999) et UniAddDumThs ; (2015-en actualité). En 2008, il a reçu le prix Turner pour l’exposition Industrial Light and Magic, de la même année.
Ces dernières années, il a aussi présenté un programme de musique expérimentale sur la station de radio NTS, mettant en avant des artistes confirmés et des nouveaux talents. L'exposition au Musée Guggenheim Bilbao mettra en lumière la diversité des influences qui façonnent l'œuvre de Leckey, notamment le son, la sculpture et la performance.
Salles : 204, 208 
Commissaire : Lekha Hileman Waitoller
 
Mark Leckey 
Vue de l'installation, O’ Magic Power of Bleakness, Tate Britain, Londres, du 24 septembre au 5 janvier 2020. 
Photographie de Mark Blower, avec l’aimable autorisation de l’artiste, Cabinet Gallery London et Tate.

in situ: Mark Leckey

Mark Leckey (Birkenhead, Royaume-Uni, 1964) est un artiste britannique contemporain, résidant et travaillant à Londres. Depuis sa reconnaissance à la fin

in situ: Mark Leckey | Musée Guggenheim Bilbao

Iberdrola

Ancrée dans le cadre stratégique de la durabilité environnementale que promeut Musée Guggenheim Bilbao, l’exposition Arts de la Terre propose une nouvelle lecture de l'art engagé en faveur de l’environnement des dernières décennies. Cette cartographie diversifiée et pluridisciplinaire des formes artistiques présente un aperçu des outils, des possibilités et des futurs potentiels. À travers la question cruciale de la santé de la planète, et particulièrement de la survie du sol comme élément vivant, plastique et essentiel, l’exposition nous guide à travers des œuvres qui traversent toutes les géographies. L’exposition relie des œuvres réalisées à partir de matériaux naturels comme la terre, le bois, les racines, et les plantes — médiums ancestraux qui ont retrouvé une nouvelle pertinence aujourd’hui — aux interventions terrestres qui ont été connues sous le nom de Land Art ou Earthworks au cours des dernières décennies : des anti-monuments vivants réalisés dans des lieux reculés, parfois éphémères, dont les traces résonnent aujourd’hui comme des avertissements pour l’Anthropocène.
Au fil des dernières générations, des artistes de cultures variées se sont interrogés sur la manière de traiter la terre au moment où elle nécessite le plus d’attention et de régénération. Comment honorer ses bienfaits ? Comment apprendre de ce qu’elle nous offre, alors même qu’elle semble être dépouillée de sa richesse biologique, minérale, organique et chimique ? Le potentiel créatif du sol et de ses composants va bien au-delà des pratiques traditionnelles de la sculpture, de l’architecture ou du paysagisme. Ces dernières années, de nombreux artistes ont exploré les dynamiques du substrat, mêlant processus de création et de compostage, traçant des lignes et mettant en lumière les liens entre culture et agriculture, forme, formation et terraformation. Arts de la Terre réunit des œuvres historiques depuis les années 1970 jusqu’à nos jours, en explorant des pratiques variées comme la sculpture, l’installation, le dessin et la performance, accompagnées d’une vaste sélection de documents d’archives. Il est possible d’observer des pratiques qui rassemblent collaborativement de multiples formes de connaissance issues de domaines comme l’agronomie, la botanique, la géologie, la chimie et la biologie croisent et nourrissent les arts, l’architecture et le design.
Salles : 201, 202, 203, 205, 206, 207, 209 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Giuseppe Penone 
Ongle et feuilles de laurier (Unghia e foglie di alloro), 1989 
Verre et feuilles de laurier 
Courtoisie de l'artiste et de la Marian Goodman Gallery 
Photo : Alex Yudzon

Les Arts de la Terre

Ancrée dans le cadre stratégique de la durabilité environnementale que promeut Musée Guggenheim Bilbao, l’exposition Arts de la Terre propose une nouvelle

Les Arts de la Terre | Musée Guggenheim Bilbao

18€ Adulte - 9€ Retraité - 9€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

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Peggy Guggenheim Collection

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Du mardi au dimanche, de 10h00 à 19h00 <a href="/fr/horaires-et-tarifs">[+info]</a>

Expositions

Sky Hopinka : Évanouissements

18.09.2025 - 18.01.2026

Barbara Kruger: Another day. Another night.

24.06.2025 - 09.11.2025

Helen Frankenthaler : Peindre sans règles

11.04.2025 - 28.09.2025

in situ: Refik Anadol

07.03.2025 - 12.10.2025

Œuvres de la Collection du Musée Guggenheim Bilbao

24.01.2023 - 07.11.2025

Expositions

à venir

Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie de l'espace

in situ: Mark Leckey

Les Arts de la Terre

Expositionspassées

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