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Expositions | Musée Guggenheim Bilbao

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Precedent | Musée Guggenheim Bilbao

Je tiens à souligner les opportunités qu’offrent parfois les écoles des petits villages. À Zeberio, les élèves ont pu bénéficier de l&#8217;implication de créateurs et créatrices locaux, de leurs familles, d&#8217;anciens élèves, de voisins ainsi que d&#8217;amis.

Artistes

Ibon Garagarza

À travers l’expérimentation artistique, en osant tenter, se tromper et recommencer, nous avons travaillé sur les conséquences que certaines pratiques humaines, aujourd’hui considérées comme normales, peuvent avoir sur la nature.

Zaloa Ipiña

L’enthousiasme et l’engagement du groupe ont marqué tout le projet. Nous avons ainsi découvert que l’art pouvait devenir un véritable levier d’activisme social.

Nerea Lekuona

Nous avons avancé au fil des séances dans une attitude d’observation attentive. Les jours de vent, nous ouvrions les fenêtres pour l’écouter, l’imiter.

Maider López

Ce programme m’a offert l’opportunité de travailler avec des élèves qui ont fait preuve d’une grande implication. Ce fut une expérience riche et stimulante, au cours de laquelle nous avons exploré l’importance de l’identité et du sentiment d’appartenance à un groupe.

Manu Muniategiandikoetxea

Ce projet a exploré la vie animale et le rapport entre l&#8217;homme et la nature. À partir de ces thématiques, nous avons développé une proposition artistique mêlant créativité, imagination et conscience écologique,

Ibon Sáenz de Olazagoitia

Apprendre à travers l’art 

Guide-audio

C.P. Juan Ramón Jiménez LHI, Cruces-Barakaldo

Cartes pour un monde meilleur

C.P. Zeberio LHI, Zeberio

D’où venons-nous, où allons-nous

CP Arrateko Andramari LHI, Eibar 

Identité et art

CPI Zaragueta IPI, Orio 

Autant de ciels que de jours

CP Lamuza LHI, Llodio 

Camouflage et mimétisme dans la nature

CP Alonsotegi LHI, Alonsotegui 

Embrasser la nature

Cette exposition propose une sélection des créations réalisées par plus de cent enfants, âgés entre 6 et 12 ans, durant l’année scolaire 2024–2025, dans le cadre du programme pédagogique "Apprendre à travers l’art" du Musée Guggenheim Bilbao. 
Cette initiative originale fait entrer des artistes dans les salles de classe, où ils travaillent en étroite collaboration avec les élèves et les enseignants.
À travers l’exploration artistique et les échanges autour de l’art, les élèves ont l’opportunité d’aborder les contenus du programme de l’école primaire sous un angle créatif et personnel. Les activités sont pensées pour tisser des liens entre l’art et d’autres disciplines comme les sciences, la langue ou les mathématiques, faisant de l’art un outil d’exploration et de compréhension de l’environnement qui entoure les enfants.
Les six classes participantes ont exploré cette année l’influence du calendrier sur la nature, les effets des actions humaines sur l'environnement et la manière de se fondre dans celui-ci. Elles ont aussi découvert des créations à vocation militante et leur potentiel pour influencer la société, en s'intéressant aux œuvres d'artistes locaux. À travers l'art et des activités d'introspection, les élèves ont réfléchi à leur identité, tant individuelle que collective.
Dans leurs démarches, les classes ont utilisé une grande diversité de techniques et de disciplines, comme la peinture, la sculpture, la photographie ou la performance, en les intégrant à des projets pédagogiques qui ont favorisé l'expression au sens large et mis en avant l'importance de la créativité dans l'éducation.

Échange

Au musée

Apprendre à travers l'art 2025

Cette exposition propose une sélection des créations réalisées par plus de cent enfants, âgés entre 6 et 12 ans, durant l’année scolaire 2024–2025, dans

Apprendre à travers l&#039;art 2025 | Musée Guggenheim Bilbao

Apprendre à travers l'art 2025 | Musée Guggenheim Bilbao

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Conférence inaugurale

Le programme d’exposition Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao est résolument engagé envers les pratiques artistiques contemporaines liées à l’image en mouvement.
Cette exposition est issue de la collaboration et de l’amitié développées entre Vito Acconci (New York, 1940–2017) et l’artiste basque Sergio Prego (Donostia/Saint-Sébastien, 1969), dont les chemins artistiques se sont croisés à une période clé de l’activité de l’agence de design spéculatif et d’architecture Acconci Studio. L’exposition retrace un itinéraire subjectif à travers les vidéos et les performances d’Acconci. Et ce, à l’aide d’un système de présentation créé par Prego, dont la conception de la sculpture intègre la manière unique dont Acconci imagine l’espace construit et les forces qui animent les corps au sein de cet espace. Ces deux artistes partagent une attention particulière à l’interaction entre les sens, les médias audiovisuels et l’architecture ; comme si la dimension corporelle tentait de s’adapter en permanence aux normes et aux structures du monde physique capturé par la caméra. Pour les deux artistes, les oeuvres d’art agissent comme des manifestations concrètes de tensions et de paradoxes dont l’impact affecte directement la conscience physique du spectateur.
Dans la première partie de l’exposition, plusieurs vidéos de Prego sont diffusées simultanément, alors que dans un coin de la salle résonne la pièce sonore d’Acconci Cassette courant (1969). L’activité enregistré par Acconci — compter ses pas sans arrêt tout en courant jusqu’à être à bout de souffle, encore et encore — a une influence sur le temps, alors que Prego emploie des astuces simples de montage d’images pour présenter des positions et des mouvements impossibles dans l’espace. La voix d’Acconci se fait également entendre à l’autre bout de la salle, cette fois en tant que narrateur d’un documentaire qui résume sa pratique radicale du design. Dans l’espace principal, deux grandes structures gonflables de Prego font office d’écrans de projection pour une sélection de vidéos historiques d’Acconci. Dans ses performances enregistrées, Acconci utilisait la caméra non comme un moyen d’autoportrait mais comme un instrument de provocation. On y voit l’artiste pointer directement du doigt ou chuchoter sur un ton intime dans Centres (1971) et dans Allumer (1974) et tester agressivement son propre corps dans Trois études d’adaptation (1970). Dans ces oeuvres, Acconci cherchait désespérément à attirer l’attention, comme s’il avait imaginé les utilisations futures de la caméra dans les réseaux sociaux. Plus de cinq décennies après leur création, on ne peut s’empêcher de penser que les oeuvres vidéo d’Acconci nous pointent du doigt, souvent d’une manière inconfortable.
Salle : 103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Vito Acconci 
Three Adaptation Studies, 1970 
Film Super 8mm transferido a video (fotograma) 
Courtesy Electronic Arts Intermix, New York

Le programme d’exposition Film &amp; Video du Musée Guggenheim Bilbao est résolument engagé envers les pratiques artistiques contemporaines liées à

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest 

Études de tête, ca. 1504–05

Vue de Sarmingstein sur le Danube, 1511

Vénus désarmant Cupidon, ca. 1527–30

Ferme néerlandaise en lumière et ombre, 1635–36

Feuille d’étude, Deux figures de femmes et drapés, ca. 1717

Vue de Budapest, 1881

Le Jardin du presbytère à Nuenen en hiver, 1884

Deux femmes s'embrassant, 1915

Composition, 1922

13 traces, 2016

Chefs-d’œuvre sur papier de Budapest est le résultat d’un partenariat entre le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale Hongroise de Budapest, une institution renommée qui abrite des collections d’art international de l’Antiquité au XXIe siècle, et des œuvres d’art hongroises datant du Moyen Âge jusqu’à aujourd’hui. Parmi les collections qui composent son fonds, celle des Estampes et dessins se distingue par son ampleur et son étendue temporelle. Elle comprend, en effet, environ 9000 dessins et 100 000 gravures d’auteurs européens. Réunissant une sélection large et variée d’œuvres de grands artistes, tels que Albrecht Dürer, Léonard de Vinci, Raphaël, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Victor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer, Georg Baselitz, Katharina Grosse et Gerhard Richter, cette exposition offre un panorama complet de la création graphique, du XVe siècle à nos jours. Les quelque 150 chefs-d’œuvre sélectionnés retracent la tradition séculaire du dessin et de la gravure, deux genres ouverts en permanence au renouvellement, mettant en avant différentes solutions formelles, leurs traits essentiels et leurs effets esthétiques caractéristiques.
Articulée en douze sections thématiques, l’accrochage met en lumière les différentes tendances de chaque époque, les interactions et les questions clé qui se posent dans les domaines du dessin et de la gravure. Si l’exposition présente au public la diversité technique caractéristique de ces médiums, elle va bien au-delà. Elle explore, en effet, la fonction du dessin et de la gravure dans l’histoire de l’art, ainsi que leur fidélité à leur essence au fil des siècles et à travers les nombreux changements de tendances et de styles.
L’exposition donne également un aperçu de l’histoire — riche et mouvementée — de la Collection d’Estampes et dessins du Musée des Beaux-Arts la plus précieuse collection d’œuvres sur papier de Hongrie. Différents documents d’archives racontent ses origines, liées aux fonds des Esterházy, grande famille noble hongroise, et présentent les résultats des efforts réalisés par de nombreux directeurs, restaurateurs et conservateurs du musée.
Salles : 205, 206, 207, 209 
Commissaires : Kinga Bódi et Marta Blàvia
 
Peter Paul Rubens (1577–1640) 
Portrait de profil du fils de l’artiste, Albert Rubens, ca. 1618–19 
Craie noire et rouge, plume, encre brune, lavis brun sur papier 
246 × 202 mm 
MFA CPD ; n° d’inventaire : 1745 
Acquis de la collection Esterházy, 1871 
© 2025 Museum of Fine Arts, Budapest

Diffuser des idées et des images

Burin et eau-forte

Lithographie

Xylographie

Vidéo de l'exposition

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Chefs-d&#8217;œuvre sur papier de Budapest. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

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VISITE VIRTUELLE

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

Chefs-d’œuvre sur papier de Budapest est le résultat d’un partenariat entre le Musée Guggenheim Bilbao et le Musée des Beaux-Arts – Galerie Nationale

Chefs-d&#039;œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest | Musée Guggenheim Bilbao

Tarsila do Amaral

Plan des audioguides

Paris/São Paulo. Passeports pour la modernité

Une « Caipirinha habillée par Poiret »

L’invention du paysage brésilien

Primitivisme et identité(s)

Le Brésil cannibale

Travailleurs et travailleuses

Nouveaux paysages

Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, de son nom d’artiste) est la créatrice d’une œuvre originale et évocatrice, puisant dans les imaginaires indigéniste et populaire autant que dans les instances modernisatrices d’un pays en pleine transformation.
Dans les années 1920, évoluant entre São Paulo et Paris, elle est une passeuse entre les avant-gardes de ces deux capitales culturelles, mettant son univers iconographique brésilien à l’épreuve du cubisme et du primitivisme, en vogue dans la capitale française. Sa peinture inspire alors les mouvements Pau-Brasil et Anthropophage, dont la quête d’un Brésil « authentique », multiculturel et multiracial, vise à refonder sa relation avec les « centres » européens de la colonisation.
La dimension militante de ses peintures des années 1930 et sa capacité à accompagner, jusqu’aux années 1960, les évolutions profondes de son environnement social et urbain confirment la puissance d’une œuvre ancrée dans son temps et toujours prête à se renouveler, malgré les conditions instables que peut rencontrer, en fonction des époques et des contextes, une artiste femme émancipée et indépendante.
Nous invitant au cœur d’une modernité brésilienne qu’elle a contribué à forger plus qu’elle ne l’a illustrée, l’œuvre de Tarsila do Amaral dévoile toute la complexité de ce concept toujours ouvert à débat, soulevant des questions identitaires et sociétales qui demeurent très actuelles, au Brésil comme en Europe.
Exposition organisée par le Musée Guggenheim Bilbao et le GrandPalaisRmn
Salles : 201, 202, 203 
Commissaires : Cecilia Braschi et Geaninne Gutiérrez-Guimarães 
Sièges : Musée du Luxembourg, Paris ; Musée Guggenheim Bilbao
 
Tarsila do Amaral 
Carte postale (Cartão postal), 1929 
Huile sur toile, 127,5 x 142,5 cm 
Collection particulière, Rio de Janeiro 
© Tarsila do Amaral Licenciamento e Empreendimentos S.A. 
Photo : Jaime Acioli

Chronologie

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

Figure centrale du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral (ou Tarsila, de son nom d’artiste) est la créatrice d’une œuvre originale et évocatrice,

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne | Musée Guggenheim Bilbao

Paul Pfeiffer

Les produits purs deviennent fous

Le Long Décompte (Vacarme dans la jungle)

Le Mal en direct (Kuala Lumpur)

Le Matin après le déluge

Les Quatre Cavaliers de l’apocalypse

Les Saints

Torse de Justin Bieber

Dans sa pratique artistique, Paul Pfeiffer analyse en profondeur la nature du spectacle, l’identité et les mécanismes complexes employés dans la culture contemporaine pour construire les images. À l’aide d’une multiplicité de supports (vidéo, photos, sculptures, installations…), il explore les modes variés et complexes par lesquels les images façonnent notre perception et notre expérience.
Pfeiffer aime manipuler des images issues d’événements sportifs, de concerts et de films, qu’il monte adroitement avec des outils numériques. Souvent, ses créations invitent à réfléchir sur la dichotomie entre la vénération et la réification, notamment concernant les athlètes ou les stars de la pop, entre autres icônes mondiales. En mettant en avant les différents rôles que jouent ces personnages dans la culture de masse, Pfeiffer souligne le caractère artificiel des représentations médiatiques et incite le visiteur à examiner d’un oeil critique sa propre consommation de ces images.
Ses installations intègrent souvent des éléments d’échelle : formats minuscules et grands formats sont juxtaposés pour perturber notre perception de l’oeuvre. La conscience de la présence physique de l’observateur par rapport au spectacle est ainsi intensifiée. En outre, Pfeiffer utilise la forme architecturale du stade et d’autres lieux similaires comme un prisme critique à travers lequel il examine l’expérience collective vécue par le fait d’être spectateur. Selon lui, ces espaces ne sont pas de simples lieux de divertissement, mais des arènes où les identités sociales et politiques sont définies et remises en question.
Paul Pfeiffer : Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté est l’exposition la plus complète de l’artiste en Europe. À travers une trentaine d’oeuvres, le visiteur découvre le remarquable parcours de celui qui est, incontestablement, l’un des créateurs les plus influents du moment. Commençant dans cette salle et se poursuivant dans la galerie 103 (au même étage), l’exposition retrace l’évolution de Pfeiffer à travers des oeuvres emblématiques qui s’inspirent de l’intensité des récits sportifs et religieux, mais également par des oeuvres plus récentes qui explorent l’héritage du colonialisme et les problèmes d’identité qu’il a engendrés. En définitive, cette exposition célèbre la contribution décisive de Pfeiffer à l’art contemporain et fournit un cadre critique pour analyser des questions complexes comme l’identité, l’appartenance et l’influence omniprésente de la culture des célébrités, tout en soulignant la pertinence de son oeuvre dans une société saturée par les médias.
Exposition organisée par The Museum of Contemporary Art de Los Angeles avec la collaboration du Musée Guggenheim Bilbao
Salles : 105 et 103
 
Paul Pfeiffer 
Les Quatre Cavaliers de l’apocalypse (Four Horsemen of the Apocalypse) (07), 2000/24 
Impression mate en couleur 
146,3 x 182,9 cm 
© Paul Pfeiffer, Bilbao, 2024. 
Courtesy of the artist; Paula Cooper Gallery, Nueva York; carlier | gebauer, Berlín/Madrid; Perrotin; and Thomas Dane Gallery, London

Paul Pfeiffer : Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Architecture de masse

La pratique de Pfeiffer

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Paul Pfeiffer. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Dans sa pratique artistique, Paul Pfeiffer analyse en profondeur la nature du spectacle, l’identité et les mécanismes complexes employés dans la culture

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté | Musée Guggenheim Bilbao

Hilma af Klint

Iberdrola

Salle 205

Les débuts

Dessins spirituels, Les Cinq (1896–1908)

Chaos primordial (1906–07)

Éros (1907)

Salle 206

Les grandes peintures de figures (1907)

Salle 207

L’étoile à sept branches (1908)

Évolution (1908)

Salle 209

Les dix plus grands (1907)

Salle 203

La Colombe (1915)

Retables et tableau final (1915)

Salle 202 

Série Parsifal et série de l’atome (1916–17)

Salle 202

Séries géométriques et aquarelles (1920−22)

Salle 204

L’Arbre de la connaissance (1913)

Salle 208

Le Cygne (1915)

En 1906, Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) entreprend son projet le plus important et le plus innovant, Peintures pour le temple. En près d’une décennie, elle crée 193 peintures et dessins qui se démarquent complètement des représentations connues jusqu’alors. Audacieuses, colorées et souvent dépourvues de références au monde visible, ces pièces explorent les forces et les structures qui, selon Af Klint, étaient cachées à la vue de tous. Dans ce travail, l’artiste abandonne les conventions de la tradition académique suédoise et s’inspire des courants scientifiques et spirituels de son époque. Elle intègre des idées et l’iconographie de ces deux domaines et développe simultanément un langage artistique personnel et singulier. Af Klint s’impose ainsi comme une pionnière de la représentation de l’invisible.
Alors qu’elle fait son chemin en tant qu’artiste, elle est témoin des profonds changements sociaux de son époque, et notamment des mouvements pour les droits des femmes. Malgré les restrictions auxquelles les femmes doivent faire face à la fin du XIXème et au début du XXème siècle, Af Klint se forme à l’Académie royale suédoise des Beaux-Arts et expose ses œuvres figuratives les plus traditionnelles, mais elle devra se battre pour développer son art en toute liberté. En effet, à une époque où l’on considère que les femmes artistes ne sont pas capables d’innover mais seulement de copier, elle expose très rarement ses créations les plus abstraites et radicales et peine à trouver son public. Très déterminée, elle organise, préserve et catalogue son œuvre en détail, dans le but de la partager avec le public du futur. Elle exige même que son œuvre ne soit exposée que vingt ans après sa mort, estimant que le monde serait alors prêt à la comprendre. Ses peintures seront finalement exposées en 1986, quarante-deux ans après sa mort. Mais il faudra encore plusieurs décennies pour que son magnifique héritage soit apprécié à sa juste valeur.
Cette exposition retrace la carrière de l’artiste suédoise, incluant, outre 110 de ses Peintures pour le temple, plusieurs créations précoces plus conventionnelles, des dessins automatiques réalisés avec le groupe spiritiste des Cinq, ses séries à dominante géométrique créées après la série des Peintures pour le temple, et des aquarelles et des carnets de sa dernière période.
Salles : Deuxième Étage 
Commissaires : Tracey R. Bashkoff, directrice senior des collections et conservatrice senior, Solomon R. Guggenheim Museum, et Lucía Agirre, conservatrice, Musée Guggenheim Bilbao
 
Hilma af Klint 
Groupe VI, Évolution, no. 16, Série WUS/Étoile à sept branches 
(Grupp VI, Evolutionen, nr 16, Serie WUS/Sjustjärnan), 1908 
Huile sur toile 
102 x 133 cm 
The Hilma af Klint Foundation, Stockholm HaK 84

Croyances spirituelles et théosophie. Passerelles vers des mondes spirituels

Avancées scientifiques. Derrière les forces de la matière

La voix des femmes. De l’obscurité à la sphère publique

Œuvres figuratives et abstraites. Observation et invention

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Hilma af Klint. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

En 1906, Hilma af Klint (Stockholm, 1862–1944) entreprend son projet le plus important et le plus innovant, Peintures pour le temple. En près d’une

Hilma af Klint | Musée Guggenheim Bilbao

Yoshitomo Nara

Plano audioguía

Fundación BBVA

Un lieu solitaire

À la recherche de ce qui manquait

Ici, j’ai tout ce qu’il me faut

Après le tremblement de terre

Penser en silence

Sous un ciel brumeux

Yoshitomo Nara est l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Son œuvre est essentiellement connue pour les audacieux portraits d’enfants à grosse tête et aux grands yeux parfois fascinants, parfois menaçants, provocants ou insolents, ou encore mélancoliques et peu sûrs d’eux, qui sont devenus au fil du temps plus sereins et pensifs. Même si Nara n’a pas obtenu une reconnaissance immédiate dans le monde de l’art, son style graphique est actuellement très en vogue.
Les personnages de Nara, humains, animaux et êtres hybrides, sont un reflet de lui-même, une représentation plastique de ses émotions et de ses pensées les plus intimes, et ils montrent en cela la profondeur de son humanisme. Ses créations, qui puisent leur source dans ses souvenirs d’enfance, restés gravés dans sa mémoire, ses connaissances en musique et littérature, en histoire de l’art japonais et européen, sont enrichies par son insatiable curiosité, ainsi que par les rencontres stimulantes et emplies d’empathie avec d’autres personnes et d’autres cultures lors de ses voyages au Japon et à l’étranger.
Connu pour son attitude décontractée et son esprit libre, Nara s’est depuis toujours passionné pour la musique folk, rock et punk underground. Partant de sa profonde implication vis-à-vis de l’humanité et de la société, son œuvre engagée vis-à-vis du monde que nous partageons examine et propose des idées sur des thèmes comme le foyer, la communauté, la nature, l’environnement et les interrelations entre eux.
Né en 1959 dans la banlieue d’Hirosaki, au nord du Japon, Nara fait des études artistiques à l’Université des Beaux-arts d’Aichi. À la fin des années 1980, il  s’installe en Allemagne et poursuit ses études à la prestigieuse Kunstakademie de Düsseldorf. Il va rester douze ans en Allemagne, période au cours de laquelle il développe son propre langage pictural. En l’an 2000, il revient au Japon, où il vit et travaille actuellement. Son art conserve des liens directs avec sa propre histoire et ses expériences vitales. Ses œuvres sont nourries par ses souvenirs d’enfance au Japon, en particulier la sensation de solitude, ainsi que par son séjour à l’étranger et l’impression d’isolement qu’il a vécue en Allemagne, ne parlant pas la langue de ce pays.
Cette rétrospective n’est pas organisée selon un ordre chronologique. Nara l’a plutôt expressément structurée par thèmes afin de révéler ses clés personnelles et émotionnelles dans le but de transmettre sa raison d’être en tant qu’artiste, ainsi que les idées qui l’intéressent et jouent un rôle essentiel dans son processus de création : thèmes récurrents, développement de son approche formelle et variété des techniques.
L’exposition nous plonge dans l’univers de Nara à travers une série d’œuvres parcourant les quarante dernières années. Original et persistante, l’iconographie de Nara illustre à la perfection la continuité des idées qui l’ont accompagné tout au long de sa carrière en mettant en lumière son évolution stylistique. Bien que Nara se considère principalement comme un peintre, il explore chaque thème en ayant également recours à d’autres techniques et d’autres formats, comme le dessin, la sculpture et les installations.
Salle : 105 
Commissaire : Lucía Agirre 
Sièges : Musée Guggenheim Bilbao ; Musée Frieder Burda, Baden-Baden ; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
 
Yoshitomo Nara 
Dans la flaque la plus profonde II (In the Deepest Puddle II), 1995 
Acrylique sur coton marouflé sur toile 
120 x 110 cm 
Takahashi Collection 
© Yoshitomo Nara, courtoisie de la Yoshitomo Nara Fondation

Enfance

À L’étranger

Retour au Japon

Grand Tremblement de Terre au Japon Oriental

Nous vous invitons à participer à une visite virtuelle de l’exposition Yoshitomo Nara. Cette promenade comprend toutes les œuvres et les textes d’explication présentés au sein de l’accrochage.

Yoshitomo Nara est l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Son œuvre est essentiellement connue pour les audacieux portraits d’enfants à

Yoshitomo Nara | Musée Guggenheim Bilbao

Anthony McCall : Fraction de seconde

Conférence d'ouverture

À l'occasion du dixième anniversaire du programme d'expositions consacré aux œuvres artistiques de l'image en mouvement, la galerie Film &amp; Vidéo accueillera l'œuvre, à la fois cinématographique et radicalement abstraite, d'Anthony McCall (Orpington, Royaume-Uni, 1946). Le travail de cet artiste britannique résidant à New York conjugue de façon originale et toujours énigmatique projections cinématographiques et sculptures, mais il peut aussi être abordé sous l'angle du dessin dans l'espace ou celui de l'art lumineux. Des années 1970 à maintenant, McCall articule son travail autour du concept de " lumière solide ", notion qui fait référence à l'effet de volume que la projection contrôlée de plans lumineux produit dans une salle d'exposition.
L'artiste réalise ainsi des formes qui se déplacent de manière hypnotique et intangible dans la pénombre de la salle. Dialoguant résolument avec les œuvres de Richard Serra et Lucio Fontana dans la Collection, cette exposition réunit un ensemble d’œuvres dans une configuration sans précédent, conçue spécifiquement pour le Musée. Elles seront agrémentées de documents entièrement inédits issus de ses archives, qui permettront de replacer ses recherches dans leur contexte au fil des dernières décennies.
Salle :103 
Commissaire : Manuel Cirauqui
 
Anthony McCall 
Face à face (Face to Face), 2018 
Vue de l'exposition à Hepworth Wakefield, Royaume-Uni, 2018 
Photo : Darren O’Brien/Guzelian Pictures. Courtoisie de l’artiste

À l'occasion du dixième anniversaire du programme d'expositions consacré aux œuvres artistiques de l'image en mouvement, la galerie Film &amp; Vidéo

Anthony McCall : Fraction de seconde | Musée Guggenheim Bilbao

18€ Adulte - 9€ Retraité - 9€ Étudiants

L&#8217;initiative TopARTE du Musée Guggenheim Bilbao confirme son engagement auprès  des organisations et des institutions culturelles de notre environnement immédiat. Le résultat de cette collaboration fructueuse est un programme varié, multidisciplinaire, riche en contenu et en formats qui s’adresse à tous les publics.
Dans le cadre de ce projet, plusieurs activités sont ainsi présentées au Musée couvrant des disciplines aussi diverses que l&#8217;architecture, le cinéma, la danse, le design, la gastronomie, la musique, les performances et le théâtre.

Expositions

Passée

Apprendre à travers l'art 2025

Vito Acconci / Sergio Prego: YOU

Chefs-d'œuvre sur papier de Budapest

Tarsila do Amaral. Peindre le Brésil moderne

Paul Pfeiffer. Prologue à l’histoire de la naissance de la liberté

Hilma af Klint

Yoshitomo Nara

Anthony McCall : Fraction de seconde

Expositions en cours

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